Black Mirror, saison 5 : une saison moins choc, mais toujours dérangeante 🖥️

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Cette chronique évoque la saison 5 de Black Mirror, avec des thématiques liées à la réalité virtuelle, au couple, à la sexualité, à l’addiction aux écrans, aux réseaux sociaux, à la prise d’otage, au deuil, à la culpabilité, à l’exploitation artistique, à la santé mentale, au contrôle technologique et à quelques scènes violentes ou dérangeantes.

Une saison plus proche de nous que prévu 🖥️

Hey !

Cet article est un avis plutôt à chaud sur la saison 5 de Black Mirror, sortie en juin 2019. Je n’avais encore jamais vraiment parlé de cette série sur le blog, parce que je suis arrivée (encore une fois) trente ans après la guerre. Voilà. 😄

Pour les personnes qui auraient vécu dans une grotte comme moi : Black Mirror est une série d’anticipation dont les épisodes sont indépendants. Les personnages, les décors et les intrigues changent à chaque fois, mais l’idée reste souvent la même : montrer une réalité sombre, inquiétante, parfois absurde, qui ressemble beaucoup trop à la nôtre.

C’est sans doute ce qui rend la série aussi dérangeante. Elle ne parle pas seulement de technologie futuriste. Elle parle aussi de nos usages, de nos désirs, de nos dépendances, de notre rapport aux autres et de ce que certaines innovations peuvent révéler de nous !

Par rapport aux spoilers :

Je vais faire une partie sans spoilers et une autre avec, le tout par épisode. N’ayant pas la possibilité de pouvoir utiliser des plugins et autres bizarreries, le texte avec spoilers est en blanc après l’indication spoilers ! Pour le lire il suffit de sélectionner avec le clic droit !

La team crevard de WordPress on est là !

Vue d’ensemble : un futur presque déjà là 🖥️

Comme souvent avec Black Mirror, les premières minutes de chaque épisode sont un peu étranges. À chaque fois, je me demande ce qui va finir par dérailler.

Est-ce qu’un personnage va mourir ? Est-ce qu’une technologie va prendre le contrôle ? Est-ce qu’une organisation inquiétante se cache derrière tout ça ? Qu’est-ce qui cloche exactement ? Et si le plus perturbant, c’était justement de ne pas réussir à voir immédiatement ce qui ne va pas ?

Bref, sortons de mes pensées, c’est le bazar.

Chaque épisode est dérangeant à sa manière, avec un niveau de malaise plus ou moins fort selon les saisons. Mais dans cette saison 5, le futur semble beaucoup moins éloigné que dans certains épisodes précédents. Les technologies évoquées existent déjà en partie, ou paraissent suffisamment proches de notre réalité pour être crédibles.

Elles ne sont peut-être pas encore développées à grande échelle, par manque de moyens, d’intérêts économiques ou de contexte favorable, mais elles ne relèvent plus vraiment de la science-fiction pure.

C’est probablement ce qui rend cette saison intéressante : elle ne met pas seulement en avant la robotisation de nos vies ou des gadgets futuristes. Elle questionne surtout des sujets très actuels : le couple, le désir, les réseaux sociaux, l’addiction aux écrans, l’industrie musicale, l’image publique et notre rapport aux technologies.

Striking Vipers : désir, couple et réalité virtuelle 🎮

Dans cet épisode, Danny mène une vie apparemment bien rangée : une femme, un enfant, une maison, un jardin, un quotidien stable. Karl, de son côté, semble vivre une existence plus libre, plus célibataire, plus tournée vers le plaisir immédiat.

Lorsque Karl offre à Danny une version remastérisée en réalité virtuelle de leur ancien jeu vidéo préféré, Striking Vipers, les deux amis se retrouvent dans une situation étrange, intime et déroutante. Ce qui devait être un simple retour nostalgique vers leur jeunesse prend rapidement une place beaucoup plus trouble dans leur vie réelle.

Cet épisode m’a vraiment mise mal à l’aise. Ce n’est pourtant pas le plus violent de Black Mirror, ni le plus choquant visuellement. Mais il touche à quelque chose de plus intime : le désir, le couple, la routine, la frustration, l’amitié, le corps, le fantasme et les limites de la fidélité.

En un sens, le principe de départ fait penser à un mélange improbable entre Jumanji, pour l’idée d’entrer dans un jeu, et Black Mirror : San Junipero, pour la question du virtuel comme espace d’expérience émotionnelle et corporelle.

Danny et Karl, deux vieux amis dont le lien semble s’être un peu distendu avec le temps, se retrouvent dans un jeu de combat en réalité virtuelle. Le but officiel est simple : se battre. Mais l’innovation technologique change tout. Leurs corps ressentent les coups, les sensations et les émotions comme s’ils étaient réellement dans cet univers.

À partir de là, le retour à la réalité devient beaucoup plus compliqué.

L’épisode montre très bien la manière dont le quotidien peut perdre de son intensité face à des stimulations virtuelles plus fortes, plus immédiates, plus excitantes. La vie réelle paraît soudain terne, répétitive, presque étouffante, tandis que le jeu devient un espace d’évasion, de désir et de liberté.

Cela pose plusieurs questions assez vertigineuses.

Le bonheur peut-il rester durable lorsqu’il devient trop familier ? Est-ce qu’une personne peut être heureuse sans s’en rendre compte ? Le désir pousse-t-il toujours à chercher autre chose, ailleurs, plus loin, plus fort ?

Le quotidien de Danny ressemble presque à une prison douce : rien n’est objectivement catastrophique, mais quelque chose semble s’être figé. Sa vie est stable, confortable, peut-être même enviable de l’extérieur. Pourtant, cette stabilité ne suffit plus vraiment.

C’est là que l’épisode devient intéressant. Il ne parle pas seulement de jeu vidéo ou de réalité virtuelle. Il interroge aussi les espaces de fuite. Les personnes qui lisent beaucoup, qui s’attachent à des univers fictifs, qui trouvent refuge dans l’imaginaire ou les jeux vidéo, connaissent peut-être déjà une part de cette sensation : quitter temporairement le réel pour vivre autre chose.

La différence, ici, c’est que la frontière entre évasion, fantasme et expérience vécue devient beaucoup plus floue.

Partie avec spoilers ⚠️

Attention je vais commencer les spoilers, si vous voulez lire sélectionner le texte dans le vide ci-dessous 😉 Sinon bon visionnage et un conseil : n’oubliez pas les répliques dans le bar 😉

À partir d’ici, je parle plus précisément de l’épisode. Si vous ne l’avez pas encore vu, mieux vaut revenir après le visionnage.

Ce qui m’a le plus dérangée dans Striking Vipers, c’est la manière dont l’épisode questionne l’amour et ses limites.

Est-ce que l’amour est condamné à s’user avec le quotidien ? Est-ce qu’il disparaît vraiment, ou est-ce qu’il change simplement de forme ? Peut-il rester présent même lorsque le désir se déplace ailleurs ?

La relation entre Danny et Theo m’a beaucoup touchée, justement parce qu’elle n’est pas caricaturale. Leur couple bat de l’aile, mais il ne semble pas totalement vide. Il reste de l’attachement, de la tendresse, une histoire commune, un enfant, une vie construite ensemble. En tant que spectatrice, il serait facile de juger Danny. Mais l’épisode montre aussi que la réalité affective peut être beaucoup plus complexe.

La relation entre Danny et Karl soulève, elle aussi, beaucoup de questions.

Est-ce que le désir naît du corps ? De l’esprit ? De la situation ? Du rôle joué ? De l’apparence de l’avatar ? Du fait d’être ailleurs, autrement, sans les mêmes contraintes ?

J’aurais aimé que l’épisode travaille davantage les questions d’identité sexuelle, de bisexualité possible, de désir queer ou de trouble face à ce qui est vécu dans le jeu. Le scénario effleure ces pistes, mais sans vraiment les approfondir. C’est à la fois frustrant et intéressant, parce que ce flou correspond aussi à l’incertitude des personnages.

Reste alors la grande question : où commence la tromperie ?

Est-ce dans le corps ? Dans l’intention ? Dans le secret ? Dans le plaisir partagé ? Dans l’investissement émotionnel ? Dans le fait de chercher ailleurs ce qui manque dans le couple ?

L’épisode ne donne pas de réponse simple, et c’est peut-être ce qui le rend aussi malaisant. Il place les personnages dans une zone grise où ni le virtuel ni le réel ne suffisent à expliquer ce qui se joue.

En fin de compte, Striking Vipers m’a moins marquée par sa technologie que par sa question centrale : qu’est-ce que l’amour devient lorsque le désir trouve un autre espace pour exister ?

Et surtout : que reste-t-il du couple quand une partie de soi commence à vivre ailleurs ?

L’épisode soulève aussi, sans vraiment l’assumer jusqu’au bout, la question de l’orientation sexuelle. Danny et Karl sont deux hommes, amis de longue date, qui vivent une expérience sexuelle dans un espace virtuel. Il serait pourtant trop simple de résumer cela à une homosexualité cachée.

Ce que Striking Vipers met plutôt en scène, c’est une zone trouble : le désir vient-il de la personne, de l’avatar, du corps ressenti, du rôle joué, de l’interdit, de la nostalgie ou de la liberté offerte par le virtuel ?

J’aurais aimé que l’épisode aille plus loin sur ces questions. Il effleure la bisexualité possible, le désir queer et la confusion des personnages, mais sans vraiment leur donner les mots pour comprendre ce qu’ils vivent. C’est frustrant, parce que le sujet aurait mérité plus de profondeur.

En même temps, ce flou fait aussi partie du malaise de l’épisode. Danny et Karl ne semblent pas seulement fuir leur quotidien : ils découvrent une forme de désir qu’ils ne savent pas nommer, ni placer dans leur vie réelle.

Smithereens : réseaux sociaux, culpabilité et perte de contrôle 📱

Dans cet épisode, Chris, chauffeur VTC, prend en otage Jaden, un jeune employé de Smithereen, une entreprise qui domine le monde des réseaux sociaux. Alors que ses motivations restent floues et que la police encercle la voiture, Chris formule une demande très précise : parler directement au PDG de l’entreprise.

Ma toute première impression a été assez mitigée. Sur le moment, je me suis dit : “bof, c’est un peu long pour pas grand-chose”. Je ne suis pas toujours la personne la plus patiente du monde, et j’avais presque envie d’aller directement à la fin pour comprendre où l’épisode voulait en venir.

Et pourtant, petit à petit, quelque chose fonctionne.

D’abord, les acteurs jouent vraiment très bien. Celui qui interprète Chris est particulièrement impressionnant. Sa manière de passer de la colère à la panique, puis de la violence à une forme de détresse presque insoutenable, rend le personnage difficile à regarder, mais impossible à ignorer.

Ensuite, l’épisode crée une tension très efficace. Même quand le rythme paraît lent, l’envie de comprendre reste présente : pourquoi Chris fait-il cela ? Que veut-il vraiment ? Jusqu’où la situation peut-elle dégénérer ?

Et surtout, le sujet touche quelque chose de très actuel. L’emprise des réseaux sociaux grandit chaque jour, parfois de manière presque invisible. L’épisode montre à quel point certaines plateformes peuvent connaître nos vies, nos habitudes, nos données et nos comportements avec une précision effrayante.

Ce qui m’a le plus marquée, c’est le déséquilibre de pouvoir. La police, le gouvernement et même le FBI semblent moins informés, moins rapides et moins efficaces que l’entreprise elle-même. Smithereen sait tout, ou presque. Les institutions tâtonnent pendant que la plateforme accède à des informations personnelles en quelques secondes.

C’est glaçant.

Il y a aussi quelque chose de très triste dans la manière dont l’épisode montre les trajets en voiture. Chris observe des passager.ère.s absorbé.e.s par leur téléphone, enfermé.e.s dans leurs écrans, parfois incapables de lever les yeux. Ce n’est pas seulement une critique individuelle : c’est aussi une manière de montrer à quel point certains usages numériques ont envahi les gestes les plus ordinaires.

L’épisode m’a fait penser à la surveillance numérique, aux données personnelles, aux plateformes qui savent énormément de choses sur nous, parfois plus que nos proches ou les institutions censées nous protéger, et au film Snowden. Il y a un côté assez paranoïaque, presque façon lanceur d’alerte, mais ce malaise fonctionne justement parce qu’il n’est pas si éloigné de la réalité.

Enfin, le message autour de la prévention routière aurait pu être très moralisateur. Pourtant, il reste puissant, parce qu’il passe par la culpabilité, le deuil et l’obsession de Chris plutôt que par une simple leçon de conduite.

Partie avec spoilers ⚠️

À partir d’ici, je parle plus précisément de l’épisode. Si vous ne l’avez pas encore vu, mieux vaut revenir après le visionnage.

Ce qui frappe le plus dans Smithereens, c’est la disproportion entre le geste qui a provoqué l’accident et ses conséquences. Chris a perdu sa compagne parce qu’il a détourné les yeux de la route pour une notification. Un simple like, une seconde d’inattention, et une vie entière bascule.

C’est absurde, terrible, presque insupportable.

L’épisode montre très bien le poids de la culpabilité. Chris ne cherche pas vraiment à se défendre. Il ne veut pas être pardonné. Il veut que quelqu’un, quelque part, entende ce que cette addiction aux notifications a détruit dans sa vie.

La scène du « God mode » est aussi très intéressante. Elle montre brutalement que la connaissance est une forme de pouvoir. Pendant que la police manque d’informations, l’entreprise rassemble des données personnelles, des habitudes, des liens et des éléments de contexte à une vitesse inquiétante. Ce n’est pas seulement de la technologie : c’est une hiérarchie du pouvoir.

La fin est particulièrement frustrante, parce qu’elle ne dit pas clairement qui meurt. Mais cette absence de réponse a du sens. Elle évite de transformer l’épisode en simple suspense final. Ce qui compte, ce n’est pas seulement le coup de feu. C’est tout ce qui a mené à cette situation : l’addiction, la culpabilité, le deuil, la surveillance, la panique policière, la médiatisation et la perte totale de contrôle.

J’ai aussi trouvé intéressant de développer, malgré moi, une forme d’empathie inconfortable pour Chris. Il commet un acte grave, il met une personne innocente en danger, et rien ne l’excuse. Mais sa détresse reste compréhensible. Sa haine de lui-même, sa colère contre le monde et son besoin désespéré d’être entendu créent un malaise très fort.

C’est là que l’épisode devient vraiment efficace : il ne demande pas d’approuver Chris, mais il oblige à regarder sa douleur en face.

La toute fin m’a aussi marquée. Des personnes reçoivent une notification, regardent leur téléphone, puis reprennent leur vie. L’information devient un contenu parmi d’autres. Une tragédie surgit sur un écran, provoque peut-être une réaction d’une seconde, puis disparaît dans le flux.

C’est peut-être l’un des passages les plus noirs de l’épisode.

Les personnes qui filment la scène depuis le début participent aussi à ce malaise. Elles ressemblent à des témoins fascinés par le drame, presque à la recherche du dernier scoop. L’événement devient un spectacle, avant même d’être compris.

Cet épisode m’a finalement fait penser à l’importance de relever la tête. Marcher dehors sans regarder son téléphone. Se déconnecter. Retrouver un rapport plus direct au monde, aux autres, à la rue, au silence, aux trajets, aux détails.

Quand le téléphone disparaît, même temporairement, quelque chose change dans la manière d’habiter le réel.

Et c’est peut-être là que Smithereens touche juste : il ne dit pas seulement que les réseaux sociaux sont dangereux. Il montre surtout à quel point ils peuvent capter notre attention, modifier nos réflexes, aspirer nos émotions et transformer une simple notification en point de bascule

Rachel, Jack and Ashley Too : pop star, IA et exploitation artistique 🎤

Dans cet épisode, Ashley O fait la promotion d’un petit robot à son effigie, créé par son équipe marketing et supervisé par sa tante et manager, Catherine. Rachel, grande admiratrice de la chanteuse, se procure rapidement cette poupée connectée. Sa sœur Jack, beaucoup plus méfiante, voit d’un mauvais œil cette nouvelle présence technologique dans leur quotidien.

Mais Ashley Too n’est pas un simple objet promotionnel. La poupée est intimement liée à la pop star dont elle reprend l’image, la voix et une partie de la personnalité.

Cet épisode est assez inhabituel pour Black Mirror. Il donne presque l’impression de viser un public différent, plus adolescent, avec une intrigue plus colorée, plus pop et plus proche du teen movie que du cauchemar technologique habituel.

Je reste donc partagée.

D’un côté, l’histoire est touchante, inquiétante, et elle semble entrer en résonance avec certaines images publiques associées à Miley Cyrus : l’ancienne idole adolescente, la pression médiatique, la transformation artistique, le contrôle de l’industrie musicale et la difficulté d’exister autrement que comme un produit rentable.

De l’autre, l’épisode ne correspond pas totalement à l’image que je me fais de Black Mirror. Il est moins sombre, moins implacable, parfois plus prévisible, et son dénouement paraît beaucoup plus léger que dans d’autres épisodes de la série.

Pourtant, le fond reste intéressant.

L’épisode met en parallèle deux formes d’enfermement. D’un côté, Rachel est une adolescente perdue, qui vient d’emménager dans une nouvelle ville, manque de confiance en elle et cherche désespérément une présence rassurante. De l’autre, Ashley O est une artiste enfermée dans une image fabriquée, exploitée par une industrie qui préfère vendre une version lisse, rentable et joyeuse d’elle-même plutôt que d’écouter sa souffrance.

La critique de la société capitaliste est assez claire : il faut produire, vendre, sourire, performer, rassurer les fans et rentabiliser l’image d’une artiste, même lorsque sa santé mentale vacille.

La surconsommation ne fait pas seulement polluer. Elle exploite aussi des corps, des émotions, des imaginaires et des identités.

J’aurais toutefois aimé que le scénario articule mieux les deux histoires. Le malaise de Rachel, sa relation avec Jack, leur deuil familial et la solitude adolescente auraient pu être davantage développés. Par moments, l’épisode donne l’impression de mélanger deux récits : une histoire d’adolescente en manque de repères et une satire de l’industrie musicale dopée à l’intelligence artificielle.

Le résultat est parfois touchant, parfois trop facile.

Ashley Too, la poupée connectée, fonctionne comme une pâle imitation du lien réel. Elle vend une illusion de proximité avec une star. Elle promet une amie toujours disponible, toujours encourageante, toujours adaptée. Mais cette présence artificielle repose sur une logique très inquiétante : créer un produit émotionnellement attachant, capable de s’intégrer dans la solitude des jeunes fans.

Ce qui me dérange, ce n’est pas que Rachel s’attache à cette IA. Au contraire, c’est compréhensible. Ce qui me dérange, c’est le système qui exploite ce besoin d’attention, d’amour et de reconnaissance.

La personnalité devient alors quelque chose que l’on peut copier, lisser, vendre et multiplier. L’épisode montre très bien cette logique de standardisation : il ne s’agit plus seulement d’admirer une artiste, mais de consommer une version contrôlée, simplifiée et commercialisable de son image.

Et franchement, après cet épisode, les jouets connectés pour enfants ne se regardent plus exactement de la même manière.

 

Partie avec spoilers ⚠️

À partir d’ici, je parle plus précisément de l’épisode. Si vous ne l’avez pas encore vu, mieux vaut revenir après le visionnage.

La partie la plus glaçante reste évidemment ce que Catherine fait subir à Ashley. Mettre sa nièce dans le coma pour contrôler sa carrière, exploiter sa créativité et récupérer de nouvelles chansons, c’est à la fois énorme, grotesque, et pourtant assez cohérent avec la logique de l’épisode : l’artiste n’est plus une personne, mais une ressource.

La machine qui permet de lire ses rêves ajoute une couche supplémentaire au malaise. Même l’imaginaire d’Ashley est exploité. Même son inconscient devient une matière première. Les médicaments, le contrôle médical, la technologie et le marketing finissent par produire la même chose : une créativité empêchée, puis récupérée de force.

L’épisode critique aussi le business autour des chansons, albums ou œuvres publiées après la disparition d’un.e artiste. Il interroge la frontière entre hommage, exploitation commerciale et récupération d’une image qui ne peut plus se défendre.

Rachel m’a mise mal à l’aise pendant une bonne partie de l’épisode, mais je ne veux pas lui jeter la pierre. Elle est jeune, vulnérable, endeuillée, isolée, et elle manque de recul sur ce qui lui arrive. Ce qu’elle cherche, ce n’est pas seulement une idole : c’est de l’attention, de la confiance, une présence capable de lui dire qu’elle peut exister.

Le plus triste, c’est que ce soutien lui soit vendu par une IA conçue pour créer de l’attachement.

Le passage autour de l’utilisation d’une toute petite partie du cerveau m’a davantage bloquée. C’est un vieux mythe pseudo-scientifique, et il m’a sortie de l’épisode. J’ai eu des cours de physiologie animale, désolée, ce genre de détail me saute aux yeux. ^^

J’ai aussi pensé à cette idée souvent évoquée par des artistes : la relation aux fans peut être étrange, intense, parfois déséquilibrée. Sur scène, une star peut donner énormément à des milliers de personnes, tout en se sentant mal à l’aise dans une relation individuelle avec un.e fan. L’épisode joue justement sur ce paradoxe : les fans ont l’impression de connaître Ashley, mais cette proximité est construite, vendue et contrôlée.

En revanche, la fin m’a semblé beaucoup trop facile. Deux adolescentes qui parviennent à entrer aussi simplement dans la propriété d’une grande star, à berner la sécurité et à sauver la situation, c’est franchement peu crédible. Dans une vraie villa de célébrité, avec une équipe de sécurité et des caméras partout, cela paraît difficile à avaler.

Le happy end est aussi surprenant pour Black Mirror. La série nous habitue davantage aux fins cruelles, ambiguës ou désespérantes. Ici, le dénouement ressemble presque à une libération pop-rock un peu cathartique. Ce n’est pas désagréable, et la référence à « Wrecking Ball » m’a fait sourire, mais cela reste assez loin du malaise habituel de la série.

Petit rajout : je ne suis pas vraiment d’accord avec les articles affirmant que Miley Cyrus a « sauvé » la saison 5 de Black Mirror. Sa présence fonctionne, et son rôle apporte quelque chose d’intéressant, mais l’épisode n’efface pas les limites de cette saison.

Bilan : une saison moins choc, mais pas sans intérêt 💭

Cette saison 5 m’a laissée mitigée.

Elle est moins marquante que certaines saisons précédentes, moins brutale, moins vertigineuse peut-être. Pourtant, elle soulève des questions intéressantes : le couple, le désir virtuel, l’emprise des réseaux sociaux, la culpabilité, l’exploitation artistique, l’IA, la solitude et la difficulté de rester soi-même dans un monde saturé d’écrans, d’images et de performances.

J’aurais aimé des épisodes plus poussés, plus sombres, parfois plus courageux dans leurs thématiques. Mais cette saison reste suffisamment riche pour ouvrir la discussion.

Il y aurait encore beaucoup de choses à dire, notamment sur les trois épisodes. N’hésitez pas à venir en débattre en commentaire, ce serait super intéressant. 😊